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_DIRECTOR
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 JOSÉ SEREBRIER ()
Nacido en Montevideo, Uruguay, de padres Rusos y Polacos, realizó sus primeros estudios de violín, piano y composición en Montevideo, con Carlos Estrada, Guido Santorsola y Miguel Pritsch. En Estados Unidos, con beca especial del Departamento de Estado, estudió en el Instituto Curtis, y en Tanglewood con Aaron Copland, donde ganó el Premio Koussevitzky. Estudió dirección orquestal con Pierre Monteux y Antal Dorati, quien lo considerara su único alumno y sucesor.
Uno de los músicos de mayor prestigio internacional, ganador de innumerables premios como director y compositor, ganador del GRAMMY Latino (por “El Mejor Álbum de Música Clásica del 2004” por su Sinfonía de Carmen); nominado para 37 GRAMMYS. A los veinte años ya figuraba como Director Asociado de la American Symphony Orchestra de Nueva York, junto a Leopoldo Stokowski, quien dijo a la revista Time que José Serebrier "es el gran maestro del balance orquestal".
Ha dirigido las principales orquestas del mundo y ha grabado más de 300 discos con la Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Filarmónica de Nueva York, Filarmónica Real de Londres, Filarmónica de Londres, Philharmonia, Orquesta Real Nacional de Escocia, Orquesta de Cámara de Escocia, Orquesta de Cámara de Londres, Orquesta Nacional de Cámara de Toulouse, Sinfónica de Bournemouth, Filarmónica de Oslo, Filarmónica de Helsinki, Filarmónica del Estado Checo de Brno, BBC de Londres, BBC de Escocia, Orquestas de las Radios de Bruselas, Munich, Baden-Baden, Freiburg, Berlin, Frankfurt, Colonia y Hanover, Sinfónica de Bamberg, Sinfónicas de Sydney, Melbourne y Adelaide, Sinfónica de Roma de la RAI, Sinfónica Siciliana, Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta Sinfónica de la Radio de Munich (Baye rischer Rundfunk), Weimar Staatskapelle y muchas otras.
Ha grabado para los más importantes sellos internacionales, incluso RCA, BMG, SONNY, DECCA, ASV, EMI, BIS, RR,WARNER CLASSICS, CHANDOS, NAXOS y muchos otros. Su debut en el mercado discográfico fue en el sello RCA con la aclamada grabación de la Cuarta Sinfonía de Charles Ives con la Filarmónica de Londres, extremadamente elogiado por la crítica mundial y premiado internacionalmente. Recientemente ha ganado el cotizado premio Diapason D'Or en Francia por un CD de música Francesa con su esposa, la soprano Carole Farley. Otros recientes premios incluyen el premio a la Mejor Grabación Orquestal otorgado por la Dutsche Schallplatten por sus grabaciones de música para cine de Shostakovich en RCA, y el premio a la Mejor Grabación Orquestal, por las Sinfonías de Mendelssohn con la Orquesta de Cámara de Escocia, otorgado por la Asociación de las Casas de Discos de Inglaterra. Su nuevo CD de Scheherazade de Rimsky-Korsakov, con la Filarmónica de Londres, fue nombrado "Mejor Grabación del Año 2000" por la revista Soundstage, que compila las críticas discográficas de Estados Unidos, Canadá y Europa. Sus videos de las óperas El Teléfono de Menotti y La Voz Humana de Poulenc con Carole Farley, para el sello DECCA, ha recibido varios premios internacionales, y acaba de ser lanzado en DVD, nombrado “CD del Mes” por la revista Gramophone. Su video para el sello Kultur, con las Sinfónicas de Sydney y Melbourne (Sinfonía Eroica de Beethoven, Sinfonía No. 1 de Tchaikovsky y Alexander Nevsky de Prokofiev) ha sido visto más de cien veces en Estados Unidos por la cadena nacional de televisión A&E (Arts & Entertainment).
En 1985 organizó el Festival Miami, el cual dirigió durante cuatro años, estando al frente de la Sinfónica de Pittsburgh, Philarmonia de Londres, la American Symphony de Nueva York y muchas otras. Como director artístico del festival, encargó obras a importantes compositores, entre otras el Cuarteto No. 4 de Elliott Carter.
Entre los numerosos concursos que ha ganado como director se encuentran el Premio de la Fundación Ford (que fue dividido entre José Serebrier y James Levine), y el Premio Alice M. Ditson otorgado por la Universidad de Columbia de Nueva York. Como compositor, fue premiado en dos oportunidades por la Fundación Guggenheim (a los 19 años fue el premiado más joven en la historia de la Fundación), por la Fundación Rockefeller, por la Asociación Musical de Harvard, National Endowment for the Arts, la Fundación Ford, etc. A los diecisiete años, cuando José Serebrier era estudiante del Instituto Curtis de Filadelfia, Stokowski estrenó su Primera Sinfonía, y años más tarde su Elegía para Cuerdas y el Poema Elegíaco, con el cual Stokowski inauguró el primer concierto de la American Symphony en Carnegie Hall. Por dos temporadas consecutivas José Serebrier fue el Compositor en Residencia de la Orquesta de Cleveland con George Szell, y al mismo tiempo fue el director de la Filarmónica de Cleveland. Por varias temporadas fue también director del Festival de Worcester en Massachusetts, el festival musical más antiguo de los Estados Unidos.
Sus giras internacionales con orquestas incluyen dos giras por América Latina con la Orquesta de Cámara de Juilliard, giras a Estados Unidos y Sud América con la Orquesta de Cámara Escocesa, por América Latina con la Orquesta Nacional de Cámara de Toulouse, a Europa con la Filarmónica Real de Londres, en Alemania con la Deutsche Symphonie-Orchester Belin, y en Estados Unidos con la Sinfónica de Pittsburgh y la Philarmonia de Londres, entre otras.
Más de cien composiciones de José Serebrier han sido publicadas por las casas editoriales Peer, Peters, Universal, Warner Bros. y Kalmus. Muchas de ellas han sido grabadas por la Filarmónica de Londres, Filarmónica Real de Londres, Orquesta de Luisville, con directores como John Eliot Gardiner. Varias de sus obras se han transformado en ballets, como su Concierto para Arpa y Orquesta, "Colores Mágicos", que el Joffrey Ballet de Nueva York llevara en gira mundial y la Fantasía para Cuerdas, por el Ballet de Pittsburgh. En ambos casos, José Serebrier dirigió los estrenos, en Nueva York y Pittsburgh. Como director de ópera, José Serebrier se ha presentado al frente del New York City Opera con Manon de Massenet, la Opera de Sydney con Boris de Mussorgsky, París con Don Giovanni de Mozart, y ha dirigido importantes estrenos: las premieres Norteamericanas de Iolantha de Tchaikowsky en Carnegie Hall, Cherubin de Massenet con la Manhattan School of Music, Don Sanche de Liszt en el Festival Miami, la première moderna de la ópera Macbeth de Bloch con la BBC y la Philharmonia en el Royal Festival Hall de Londres.
En Enero del 2002 Serebrier recibió dos Nominaciones al Premio GRAMMY por su CD de obras de William Schuman, con la Orquesta Sinfónica de Bournemouth. En Febrero, fue invitado a dirigir en la ceremonia de entrega de los GRAMMYS en Los Angeles, que fue televisada a 175 países y vista por casi mil millones de personas. Su segmento, con el violinista Joshua Bell, fue el único momento clásico de la ceremonia, que normalmente incluye únicamente artistas de música popular. La editorial L'Harmattan de París ha publicado recientemente un nuevo libro acerca de José Serebrier, escrito por el crítico musical Francés Michel Faure: "JOSÉ SEREBRIER, COMPOSITOR Y DIRECTOR DE ORQUESTA, EN LA ALBORADA DEL NUEVO SIGLO". La primera edición del libro se ha impreso simultáneamente en Francia e Italia y las versiones en Español e Inglés están en preparación. En Agosto de 2005 recibió dos nominaciones al GRAMMY Latino: una con la Orquesta Sinfónica Real de Escocia, y la otra al frente de la Filarmónica de Nueva York. En Febrero de 2006, recibió dos nuevas nominaciones al GRAMMY por su nueva grabación de obras de Mussorgsky orquestadas por Stokowski. Esta grabación estuvo por varios meses en el No. 1 de las listas de “best-sellers” en Inglaterra. En 2007 su tercer volumen de las sinfonías de Glazunov (Nos. 4 y 7) con la Royal Scottish National Orchestra recibió una nominación al GRAMMY como “ Mejor CD del Año”.
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_SOLISTAS
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 LEONOR PIÑEYRO (Violín)
Nacida hace treina años en Brasil, hija de uruguayos, tuvo contacto con el arte desde temprana edad debido a la influencia que recibió por parte de sus padres músicos.
En 1998 inició su formación instrumental en Uruguay con Nelson Casale y la continuó con Fernando Hasaj desde 1991 hasta 2002, cuando partió a Alemania. Desde entonces y hasta la actualidad estudia con la Prof. Anne-Katrin Lindig en la "Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar".
Desde 1998 ha participado en distintas orquestas juveniles como la "Orquesta de Jovens do Mercosul", Camerata Académica del Mercosur, Orquesta Mundial de Juventudes Musicales (apoyo del F.O.N.A.M.), "Palestinian Youth Orchestra", "NJO Dutch Orchestra and Ensemble Academy", "Hochschulorchester, Weimar", entre otras. Gracias a estas experiencias orquestales ha establecido contacto con Europa y ha tocado en salas muy importantes como la "Berliner Philharmonie", "Gewandhaus" de Leipzig y el Teatro Colón de Buenos Aires, bajo la dirección de grandes directores entre los que se destacan Yakob Kreizberg y Marek Janowski.
En 1998 y 2001 fue ganadora de los concursos organizados por el Mozarteum Uruguay para Jóvenes instrumentistas y cantantes.
En 2008 obtuvo un contrato temporal en la "Thüringen Philharmonie Gotha Suhl"y actualmente es academista de la "Jenaer Philharmonie".
Como solista interpretó el doble concierto de Bach con Fernando Hasaj, bajo la dirección del maestro Federico García Vigil junto a la Orquesta Filarmónica de Montevideo, con la Orquesta Juvenil "José Artigas", con la Orquesta Juvenil de la E.M.M. y la Orquesta de Cámara "Ars Musicae".
Sus intereses musicales también se extienden al tango, siendo integrante del cuarteto "Al Voleo"; y a la praxis histórica. Recientemente comenzó a investigar la sonoridad clara y transparente del repertorio clásico vienés interpretado con cuerdas de tripa y pianoforte de la época, actividad que se hace posible a través de su maestro de música de cámara Prof. Ulrich Beetz, quien además de ser una gran inspiración a nivel musical es coleccionista de pianofortes.
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_OBRAS
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P. I. TCHAIKOVSKY (Sinfonía N°4)
Nacido el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk (cerca de los Urales). En 1848 su familia decidió trasladarse a San Petersburgo, después de que su padre se jubiló, y en la adolescencia tuvo el fuerte impulso de dedicarse a la música, estimulado por sus progenitores y su institutriz Fanny Dürbach.
Se graduó en Derecho y en 1854 se convirtió en oficial del Ministerio de Justicia. En esos años tomó contacto con una parte muy importante del repertorio musical, al cual no había accedido: la ópera Don Giovanni de Mozart, varias sinfonías de Beethoven y obras de Schumann. A la edad de 23 años, a instancias de su padre y de Apushtin, poeta amigo, abandonó su trabajo en el ministerio y se dedicó a la música, matriculándose en el Conservatorio de San Petersburgo.
En 1866 se trasladó definitivamente a Moscú y empezó a dar clases como profesor de Teoría de la Música, en el nuevo conservatorio creado por Nikolai Rubinstein. Sus primeros intentos de composición no fueron satisfactorios y quemó varias partituras. Luego de varias obras primerizas, como algunas oberturas y danzas, se decidió a componer su "Primera Sinfonía" y concibió nuevos proyectos acerca de una ópera: "El Voivoda". Su lenguaje se desenvolvió con fecundidad en el campo sinfónico, de cámara y escénico. Fue de capital importancia el apoyo y la protección de una adinerada dama de la alta sociedad rusa llamada Nadezhda Filaretovna von Meck, con quien estableció contacto gracias a su amigo Nikolai Rubinstein, afamado pianista y director. A partir de 1881 realiza una serie de viajes que le permiten relacionarse con los círculos musicales, intelectuales y occidentales. En esas circunstancias tuvo la oportunidad de conocer a Turgeniev, Tolstoi, Berlioz, Liszt, Saint-Saëns y Wagner. Las influencias occidentales le acarrearon las críticas más duras por parte de los nacionalistas a ultranza, especialmente Balakiriev, que lo consideraban ecléctico y cosmopolita, le reprochaban que su música no era realmente rusa y sobre todo, no podían perdonarle su vinculación al Conservatorio, al que veían contrario al elemento popular. Mientras que Igor Stravinsky sostenía lo contrario, decía que lo ruso es una esencia natural en Tchaikovsky.
Cerca del año 1877 se embarcó en la composición de una ópera: Evgeni Onegin. En ese año se casó con una alumna del conservatorio con quien convivió dos semanas para luego separarse de manera traumática. En 1878 abandona su puesto en el conservatorio para dedicarse exclusivamente a la composición. Esto fue posible gracias al mecenazgo de Von Meck, relación que se extendió hasta 1890. De este año hasta su muerte, el 6 de noviembre de 1893 en San Petersburgo, compuso obras capitales como "Cascanueces" y “Sinfonía Nº 6 "Patética".
A partir del análisis de su música podemos llegar a las siguientes conclusiones: el lenguaje empleado es romántico - universalista con algunos rasgos, muy sutiles, que siempre dejan ver su origen ruso; un refinamiento melódico inigualable; superposiciones que se despliegan de manera ingeniosa y audaz por momentos; una resolución estructural sólida y equilibrada. La orquestación es efectista y colorida, mostrando en todo momento una gran maestría.
La Sinfonía Nº 4 op. 36, en fa menor, fue compuesta entre 1877 y 1878. El estreno se realizó con la Sociedad Musical Rusa, el 22 de febrero de 1878 en San Petersburgo, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein. La obra está dedicada a su mecenas Nadezhda von Meck, según consta en correspondencia enviada por el compositor, durante el período de creación. En este sentido fue una manera de justificar y agradecer el dinero que su mecenas le proveía mes a mes. Si bien es conocida simplemente con el nombre de “Sinfonía Nº 4”, tiene un título: “Del Destino”. Luego del estreno la crítica no vió con buenos ojos este emprendimiento creativo, basándose en el excesivo efectismo del último movimiento.
La sinfonía se estructura sobre los cuatro clásicos movimientos. El primer movimiento se erige sobre la forma allegro de sonata, con dos temas contrapuestos, el primero expuesto por la sección de cuerdas y el segundo conducido por instrumentos de la familia de los vientos maderas, sobre un soporte armónico, que funciona a la manera de una escenografía. Este movimiento tiene una llamativa y fácil de recordar introducción a cargo de los metales, a la manera de una llamada o anuncio, tal vez del propio destino, como enuncia el título de la obra.
En el segundo movimiento, que destaca, entre otras elementos, el tema expuesto al comienzo por el oboe; sale a relucir el compositor de música de ballet. Este movimiento podría formar parte de una suite para ser danzada, claro tiene en su aspecto formal un esquema morfológico que se ciñe más al lenguaje sinfónico puro que al ballet. Como en el primer movimiento, con la orquestación variada, el retorno al tema principal marca el transitar final de la parte.
El tercer movimiento es muy dinámico. Se caracteriza por una textura de pizzicato de comienzo a fin. Tiene, desde el punto de vista expresivo, toda la vivacidad de un scherzo, aspecto que perfiló, en el siglo XIX, las características de la tercera parte de una sinfonía. De todas formas el scherzo conserva la forma del viejo minué que en su parte central tenía un trío que no era otra cosa que la reducción de la instrumentación. Aquí este pasaje es un cambio tímbrico muy fácil de oír. A grandes rasgos la idea principal del minué es la primera parte, con los pizzicatos de violín, el trío es la irrupción de los vientos, y la vuelta al minué la marca el retorno de los pizzicatos, que enseguida se mezclan con los vientos para engrosar la textura. Esta sumatoria de instrumentos significa tener el mayor peso sobre el final del movimiento, recurso de buen efecto para que la resolución sea convincente.
El cuarto movimiento es enérgico, basado en pequeños y recordables motivos que viajan por la orquesta y se transforman de muchas maneras. La recurrencia de la idea principal es la clave para entender el final del movimiento. El torbellino inicial es frenado por la inclusión de fragmentos de carácter melancólico que recuerdan momentos expresivos de movimientos anteriores. Sobre el final reaparece el motivo inicial, el cual parece sumergirse lentamente hasta desaparecer. El retorno del carácter vertiginoso nos conduce al final de la obra.
W. A. MOZART (Obertura de Las Bodas de Fígaro)
Nacido el 27 de enero de 1756, en Salzburgo. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Desde niño demostró sus dotes de genial músico, compositor e intérprete, dirigidas de manera inteligente por su progenitor. A los seis años ya se destacaba como tecladista y violinista, realizando exhibiciones en diversos puntos de Europa. Por contrapartida, las giras a tan corta edad le acarrearon diversos problemas de salud, la cual nunca fue enteramente óptima en ningún momento de su vida. Durante este período compuso sonatas, una sinfonía, un oratorio y una ópera cómica. En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo y compuso su primer singspiel. Al año siguiente, 1770 compuso su primera gran ópera titulada Mitrídates, rey del Ponto. A esta altura de su vida contaba con una producción propia de un adulto, pero solo tenía catorce años. En 1777 viaja a Munich con su madre para ofrecer conciertos. Estas salidas de Salzburgo son una constante necesidad a lo largo de su vida, lo cual se explica, entre otras causas, por su poca simpatía a la ciudad que lo vio nacer, dato que puede verificarse en varias cartas enviadas a sus familiares. En 1778, durante su estadía en Mannheim, tomó contacto con la escuela de composición encabezada por la familia Stamitz que ejerció fuertes influencias en obras posteriores. En esta ciudad conoció a Aloysia Weber con quien partió a París, hasta que en 1779 regresó a Salzburgo donde se enfrascó de lleno a la actividad compositiva. En 1781 compuso y estrenó su primer gran éxito operístico, Idomeneo, Rey de Creta, con la cual recogió elogios de quienes la escuchaban. En 1782 se casó con Constanza Webber, la hermana menor de Aloysia. En los años siguientes compuso las óperas Las bodas de Fígaro y Don Giovanni. En referencia a su vida personal la última década de vida fue problemática en relación al aspecto económico, plagado de deudas, muchas de ellas producto de las apuestas a las que era adepto.
Durante sus últimos cinco años de vida compuso obras que sólo tenían como destino encumbrarlo en lo más alto de la historia de la música como: sus tres últimas sinfonías, sus serenatas, de las cuales se destaca la muy conocida Eine Kleine Musik; títulos operísticos como Così fan tutte, La clemenza di Tito para la coronación del Emperador Leopoldo II, el simbólico y a la vez místico singspiel La Flauta Mágica, el Concierto para clarinete, el Requiem, con sus misteriosa concepción, aún hoy fruto de discusiones, que posteriormente fue completado por su discípulo Franz Süssmayr. El 5 de diciembre de 1792, en Viena, se apagó la vida de uno de los más grandes creadores de la humanidad. En cuanto a una visión panorámica de su producción podemos decir que no quedó género que no trabajara tanto cualitativa como cuantitativamente, lo que hace imposible y extenso a la vez realizar una enumeración de su producción.
Las Bodas de Fígaro es una ópera cómica en cuatro actos, con libreto de Lorenzo da Ponte. Fue compuesta entre 1785 y 1786, realizándose el estreno el 1 de mayo de 1786, en Viena. En la oportunidad fue el propio Mozart quien la dirigió y en poco tiempo se convirtió en una de las óperas más aclamadas, formando parte del gran repertorio internacional del género.
La Obertura es el preludio instrumental que da inicio a la obra y genera el clima picaresco que nos prepara para la inmediata puesta en escena. Los primeros compases se conforman con una textura ligera y rápida, que simbolizan el deambular nocturno por las habitaciones del palacio. Posteriormente trompetas y timbales aportan su presencia en contraste con lo mencionado. En la parte central un solo de oboe realiza una melodía de vuelo lírico y expresivo. Cuando llegamos al final de la Obertura volvemos a escuchar la textura conformada por notas ágiles y livianas del comienzo. Es una característica saliente de esta composición que no utiliza elementos temáticos de la propia ópera, como es de uso y costumbre en general.
W. A. MOZART (Concierto N°5)
El Concierto para violín y orquesta Nº 5, I.K. 219, fue compuesto y estrenado en 1775, en Salzburgo. Durante la década de 1770 Mozart compuso todos los conciertos para cuerdas y esta obra está incluida en esa serie de creaciones. La plantilla orquestal tiene una sección de cuerdas más dos oboes, dos trompetas y timbal. A grandes rasgos responde a la estructura clásica de concierto: rápida, lento, vivo.
El primer movimiento, de unos 10 minutos de duración promedio, tiene un aire operístico muy pronunciado. El concierto comienza con una introducción de la orquesta, exponiendo el tema principal. La entrada del solista sorprende, porque no es en la misma tónica del movimiento, sino con una melodía lenta acompañada de manera descarnada por la orquesta. El propio solista se encarga de reintroducirnos en el clima del primer movimiento, siguiendo de esta forma el curso tradicional. Se destaca una larga y vistosa cadencia que, al finalizar, da paso a la coda orquestal que termina la parte.
El segundo movimiento es un adagio y fue compuesto a último momento, no siguiendo Mozart, en el trabajo compositivo el orden musical de las partes. En este caso la orquesta comienza exponiendo una idea conducida por las cuerdas, primer violín, la cual es apoyada a posteriori por el oboe. Cuando el solista toma el mando de la línea melódica principal, se establece una textura en dos planos, muy clara, de solista y orquesta. Cuando esta termina se produce un interludio orquestal inmediatamente seguido por otra intervención del instrumento concertante. Esta alternancia se mantiene hasta el final del movimiento.
El tercer movimiento es un rondó con tempo de minué. Tiene el sello del típico rondó dieciochesco, elegante, ágil, picaresco, contrastante. El aspecto métrico de este movimiento y ciertos efectos de arco del solista hicieron que a este concierto, en su totalidad, lo denominaran turco. Esto es posible apreciarlo de la mitad del movimiento en adelante cuando el solista y la orquesta realizan un diseño muy rítmico y dialogante. Una vez agotada esta textura, vuelve al clima del comienzo con el cual transcurre hasta el propio final.
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_APOYA
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